Le mythe Cléopâtre interrogé au Musée

Vous avez monté notamment Antoine et Cléopâtre de Shakespeare...

Pour travailler sur la figure de Cléopâtre, plutôt que de revenir à Shakespeare - que j'ai déjà beaucoup exploré, de Presque Hamlet à Macbeth (The Notes) en passant par La Comédie des erreurs, j'ai été passionné par la collaboration avec Rémi De Vos.

A l’origine, il y a le souhait d’une pièce pour quatre comédiennes, de trois générations différentes, qui développe un portrait de la dernière reine d'Égypte sortant des clichés habituels.

On peut songer à la réussite politique de Cléopâtre, son talent pour les langues, ses réalisations en tant que mathématicienne et chimiste – des aspects relativement peu connus de sa personnalité. Rémi est parti de là.

Quel est votre sentiment sur l'écriture de Rémi De Vos?

Ce qui me frappe? La clarté dramaturgique. La pièce est très accessible, presque pédagogique, sans jamais sacrifier la complexité politique.

Rémi a fait le choix d'une structure épique fragmentée. En témoignent des scènes courtes qui s'enchaînent rapidement. Et ce personnage d'Apollodore commentant régulièrement l'action, un peu comme un chœur antique.

C'est une forme qui sert un projet: rendre lisibles les mécanismes du pouvoir, la construction de la propagande, la disqualification systématique de la parole féminine. Mais cette simplicité apparente cache une grande subtilité.

J'ai déjà travaillé un texte de Rémi, je sais qu'il ne livre pas ses secrets tout de suite. Il faut trouver le registre juste, comprendre ce qu'il veut vraiment dire. C'est ce qui rend le travail passionnant et vertigineux à la fois.

Tous les rôles, y compris les personnages masculins sont passés par quatre comédiennes.

C'est un défi que l’auteur nous a lancé. Il nous obligeait à imaginer une distribution où Cléopâtre serait une figure partagée, une sorte d'archétype que chacune incarnerait à son tour.

Cela crée une distance, un second degré. On découvre quatre femmes en train de rejouer cette histoire, de s'approprier cette figure, de critiquer ces hommes de pouvoir - César, Marc Antoine, Octave - en montrant qu'elles sont en train de fabriquer du théâtre avec leurs codes.

D’autres raisons à ce choix?

Il y a une réalité historique que la pièce rappelle: nous sommes dans un monde dominé par les hommes, où la parole des femmes est constamment disqualifiée.

À Rome, il est jugé scandaleux qu'une femme donne des ordres et parle en public. Cette dimension est au cœur de la pièce. Avoir quatre femmes sur le plateau, c'est une façon de rendre cette question sensible, concrète.

La dimension féministe du projet, elle naît de leur présence, de leur sensibilité, de leur regard sur certains moments du texte.

La scénographie présente des caisses qui s'ouvrent et des objets qui prennent vie, ce qui nous fait penser à la fois à un musée et à un théâtre de marionnettes.

Nous avons conçu un espace un peu inhabituel, situé à mi-chemin entre un musée et un entrepôt. Des curatrices réceptionnent de grandes caisses de transport, fraîchement arrivées, qui contiennent des artefacts précieux destinés à une exposition sur Cléopâtre.

Au fur et à mesure du déballage, les objets les intriguent, les fascinent. Et puis, peu à peu, ces artefacts prennent vie.

C'est que ce ne sont pas des objets ordinaires : ce sont des objets magiques. Et les objets magiques peuvent parfois prendre des formes étranges et merveilleuses.

Il y a peut-être un côté La Nuit au musée, le blockbuster avec Ben Stiller qui campe un père acceptant un poste de gardien de nuit au Museum d’Histoire Naturelle de New York. Il découvre que, grâce à une ancienne tablette égyptienne, les expositions prennent vie une fois la nuit tombée.

L'idée m'est venue il y a longtemps, bien avant le film La Nuit au musée que j'ai vu avec mes enfants.

Je voulais écrire un livre pour enfants sur un musée archéologique qui prend vie la nuit. À mes yeux, c'est un imaginaire archétypal.

Entre la conservation, l'institution, le pouvoir culturel, on rêve d'un espace plus ludique, plus poétique, où l'imagination est sollicitée plutôt que le savoir constitué.

Et c'est exactement ce que nous faisons au théâtre: nous ouvrons un espace poétique pour multiplier les interprétations possibles autour de cette figure de Cléopâtre.

Comment abordez-vous la pièce?

Nous travaillons avec les objets, les accessoires, les bouts de costumes qui sont emblématiques de notre perception de Cléopâtre. Tout ce que les films, les peintures, les expositions ont construit comme images depuis des siècles.

Et nous essayons de les démonter d'une manière artisanale, de montrer comment ils sont fabriqués.

Les curatrices, sur scène, ont des costumes sobres, un peu branchés - on imagine qu'elles ont fait une thèse en histoire de l'art et ont un bon job dans un musée.

Et par-dessus, elles ajoutent des bouts d'accessoires, un casque de guerrier, une couronne, pour signifier un personnage. C'est une façon de projeter sur elles ce qu'on veut, comme sur une toile blanche. Le jeu d'actrice fait le reste.

La bataille d'Actium*, justement, est un moment clé de l'histoire.

Chez Rémi, tout va très vite. La bataille est réduite à l'essentiel, et c'est Apollodore qui raconte ce qui s'est passé.

Au théâtre, il n’y a évidemment pas les moyens du cinéaste Joseph Leo Mankiewicz et ses quatre heures de film sorti en 1963 avec Elizabeth Taylor dans le rôle de Cléopâtre VII*** et Richard Burton incarnant Marc Antoine.

Ce long-métrage évoque la propension de la Reine d’Egypte d’assurer systématiquement et politiquement son pouvoir d’attraction par l’image et une mise en scène fastueuse. Une dimension que reprend Rémi De Vos dans sa pièce.

Je préfère travailler avec des objets, des accessoires, des marionnettes. Nous allons introduire la bataille de manière simple, presque schématique, avec des bateaux miniatures, des grappins, des rostres en bronze.

Octave sera cette poupée ventriloque, un peu inquiétante, manipulée par une des comédiennes. Cela insuffle un côté populaire, un peu grotesque, qui me plaît. Et cela permet de montrer la fabrication même du théâtre.

Vous avez souvent travaillé avec des acteurs venus d'horizons très divers, comme Eric Cantona dans votre mise en scène d’Ubu enchaîné d’Alfred Jarry. Qu'est-ce qui vous intéresse dans ces rencontres?

Eric, c'est une évidence. Il y a chez lui une présence, une puissance, une espèce de méchanceté naïve qui est parfaite pour Ubu. Et puis c'est un garçon intelligent, sensible, avec qui le travail a été une joie.

Mais le spectacle a été mal reçu en France par une partie du milieu théâtral. On nous reprochait de faire du populisme, de choisir une star du foot.

Pourtant, pour moi, c'était naturel. Je viens d'une culture populaire. J'ai grandi dans un village près de Cambridge et joué au foot jusqu'à un certain âge. Mes parents étaient acteurs, alors j'ai baigné dans les textes et la poésie.

Mais mon père allait au pub tous les soirs et je l'accompagnais à 15 ans. Pour moi, il n'y a pas de différence entre le foot et la poésie. Les deux font partie de la vie. Et le théâtre doit parler de la vie.

Cette culture populaire, on la retrouve dans votre goût pour le mélodrame et un certain kitsch parfois. Dans le shakespearien Antoine et Cléopâtre, vous aviez situé l'histoire dans un bar des années 70, inspiré par Richard Burton et Elizabeth Taylor...

Oui, c'était une façon de décaler le regard, de passer par la petite porte pour mieux apprécier le texte.

Le Nile Club, ce bar d'une petite ville du Nord de la France, avec ses perles de rideaux chatoyants, son zinc collant, son esthétique un peu kitsch et claustrophobe. Et Tony, ce gangster des faubourgs, qui tombe amoureux de Cleo, la chanteuse de cabaret.

C'était une transposition, mais le texte de Shakespeare était toujours là, caché comme des diamants dans la boue. Je crois beaucoup à ces décalages temporels, à ces collisions d'univers.

Cela permet de déconstruire les clichés, les examiner de près et les faire jouer les uns contre les autres.

Propos recueillis par Bertrand Tappolet

Cléopâtre

Du 6 au 22 mars au Théâtre Am Stram Gram, Genève

De 9 à 109 ans!

Rémi De Vos, texte - Dan Jemmett, mise en scène

Avec Valérie Crouzet, Mélody Pini, Eloïse Pochon, Barbara Tobola

Création - Une production du Théâtre Am Stram Gram


Informations, réservations: https://www.amstramgram.ch/fr/programme/cleopatre


*Thomas Middleton, qui a vécu de 1580 à 1627, a écrit des pièces de théâtre qui vont de la tragédie sanglante à la satire urbaine. John Webster, qui a vécu à peu près à la même époque, de 1580 à 1634, est connu pour ses tragédies d'atmosphère, qui sont souvent sombres et mélancoliques. John Ford, qui a vécu de 1586 à 1640, a exploré les passions humaines et les amours interdites avec une grande intensité psychologique.

**La bataille d'Actium a eu lieu le 2 septembre 31 avant Jésus-Christ, au large de la Grèce occidentale. Cette bataille a opposé Octave aux forces de Marc Antoine et de Cléopâtre VII. La flotte d'Octave a remporté la victoire. Marc Antoine et Cléopâtre VII se sont repliés en Égypte. Après la prise d'Alexandrie en 30 avant Jésus-Christ, ils se sont suicidés. Cette victoire a mis fin aux guerres civiles et a permis à Octave de devenir le premier empereur romain en 27 avant Jésus-Christ, sous le nom d'Auguste.

***Cléopâtre VII Philopator, qui a régné de 51 à 30 avant Jésus-Christ, était la dernière souveraine de la dynastie lagide, qui était d'origine macédonienne et avait été fondée par Ptolémée Ier, un général d'Alexandre le Grand. Elle a entretenu une relation politique et personnelle avec Jules César et a donné naissance à Césarion, que César a reconnu sans toutefois en faire un héritier officiel à Rome. Après l'assassinat de César en 44 avant Jésus-Christ, elle s'est alliée à Marc Antoine à partir de 41 avant Jésus-Christ, et ils ont eu trois enfants ensemble.